Pour les vacances, Gabriel et Iris retournent dans une maison de famille au Portugal avec leurs filles Emma et Zoé, d’irrésistibles jumelles de 6 ans. Dans la splendeur estivale de la campagne portugaise, dans les baignades et les rires des petites, le passé du couple se réveille. Emma est dépassée par un secret trop grand pour elle, qu’elle n’a pas le droit de partager avec sa jumelle. Une sourde menace semble planer sur le quatuor.

Noirceur solaire
Dans ce premier long métrage inspiré par leur propre enfance, Clara et Laura Laperrousaz ménagent le suspense et jouent sur les contrastes : la noirceur d'un trauma familial et la beauté solaire des personnages ; la blessure indicible des parents et la liberté de l'imaginaire enfantin ; la force de l'amour et la fragilité des vies. Cette part autobiographique revendiquée intensifie l'émotion insufflée par leur film, porté par les compositions bluffantes des jeunes Océane et Margaux Le Caoussin, et le mystère sensuel d'Ana Girardot, bel espoir du cinéma français.

Tandis que le FBI surveillait Robert Oppenheimer, figure centrale du projet Manhattan, qui visait à mettre au point la bombe atomique américaine, ses confrères livraient tranquillement des informations à l’URSS.

De 1942 à 1946, le projet "Manhattan" est mené dans le plus grand secret afin de mettre au point la première bombe atomique de l’histoire. Tout au long du processus, les Américains tentent de contrer toute fuite d’information. Robert Oppenheimer, célèbre directeur scientifique du laboratoire de Los Alamos (Nouveau-Mexique), est étroitement surveillé par le FBI depuis les années 1930, en raison de ses affinités communistes. En revanche, rien ne freine son proche collaborateur Klaus Fuchs, physicien allemand naturalisé britannique, qui parvient à transmettre des données sensibles à l’URSS. C’est également le cas de deux Américains : Theodore Alvin Hall, physicien travaillant sur la bombe à implosion, et Oscar Seborer, technicien et ingénieur, identifié comme espion il y a seulement une dizaine d’années.

Climat de défiance
En 2023, le film Oppenheimer réalisé par Christopher Nolan contribuait à faire largement connaître les coulisses de la naissance de la bombe atomique, en explorant les dilemmes moraux vécus par le scientifique et les imbrications entre avancées techniques et responsabilités éthiques. Nourri de nombreux témoignages et d’images d’archives, ce documentaire met quant à lui en lumière l’injustice vécue par Oppenheimer qui, sans jamais avoir trahi son camp, se vit interdire l’accès aux secrets atomiques en prévision d’une audition, en 1954, en plein maccarthysme, alors que plusieurs espions avérés ne furent jamais inquiétés ou ne furent démasqués que sur le tard. Quatre-vingts ans après les bombardements d’Hiroshima et de Nagasaki, ce film dévoile les dessous d’une célèbre affaire d’espionnage, révélant comment le climat de méfiance et la surveillance exercée par les deux camps ont influencé le développement de la bombe atomique et contribué à instaurer l’équilibre de la terreur. Retour sur un affrontement clé qui a précipité le début de la guerre froide.

Mais à quoi leur sert cette particularité ? C’est un champ d’études passionnant, encore peu défriché par la science, qu’explore ce documentaire aux images de toute beauté.

Épisode 1- Briller pour s'unir

Il existe autour de nous une réalité parallèle où les couleurs flamboient. Certaines créatures – plantes, animaux, champignons, bactéries… – ont développé, au fil de l’évolution, la faculté de convertir en lumière les ondes ultraviolettes, et d’exploiter cette fluorescence à leur avantage. Parce que l’œil humain ne permet d’en percevoir qu’une fraction infime, ce phénomène biologique et optique a été longtemps ignoré, et la science ne fait encore qu’en effleurer la surface. Comment les organismes ont-ils développé cette caractéristique ? Quelle est sa fonction ? La première partie de ce voyage psychédélique explore le rôle de la fluorescence dans la reproduction : chez l’araignée sauteuse, espèce volontiers cannibale, la lecture de ces signaux peut être décisive dans le choix entre un accouplement et une mise à mort. Si certains oiseaux, comme les perruches ondulées du bush australien, intègrent leurs motifs fluorescents dans les jeux de séduction, c’est dans le règne végétal que l’on trouve l’exemple le plus éclatant de cette faculté : dopées par l’évolution, les fleurs ont appris à se rendre irrésistibles aux yeux de leurs pollinisateurs, sensibles aux ultraviolets et aux infrarouges, en exploitant merveilleusement l’ensemble du spectre lumineux.

Retrouver le second épisode du documentaire en cliquant ici

Un film décapant d'Anne Fontaine qui fait voler en éclats les interdits et invite le spectateur à s'interroger sur sa propre sexualité.

Un groupe de copains, tous commerçants dans la même rue, se retrouvent un soir dans une boîte de nuit à Belfort. Parmi eux, Jean-Marie et son épouse Nicole, quinze ans d'amour et de travail dans un pressing du centre-ville. Sur la scène de la Nuit du Temps, un jeune garçon troublant fait un numéro de travesti avec sa soeur. Le lendemain, il vient déposer sa robe au pressing. De cette rencontre naît un trio ambigu qui plonge les personnages dans la spirale infernale du désir.

Au-delà du désir
De cette rencontre entre un couple de petits commerçants sans histoires et Loïc, jeune homme extraverti et sans repères, ressort un portrait réaliste de notre société, avec ses interdits sexuels et ses tabous. À la fois ami, frère, fils et amant, Loïc est l'élément déclencheur qui va lancer les personnages dans une escalade sans retour. Nicole, provinciale rêveuse, s'affranchit la première des barrières sociales en s'abandonnant au charme de Loïc. Elle ouvre la voie à Jean-Marie, son désir à elle éveillant celui de son mari. Anne Fontaine met ainsi en évidence la part de féminité qui sommeille en chaque homme. Cette part, Jean-Marie commence par la rejeter, prisonnier d'un schéma social qui fait de l'hétérosexualité la seule attitude acceptable. Il nie son attirance pour Loïc, lui manifestant même de la répulsion. Mais les sentiments occultés vont se révéler avec d'autant plus de force et d'intensité... Dans ce jeu des possibles entre les trois personnages, Anne Fontaine explore une à une toutes les situations, tenant en haleine le spectateur jusqu'à la scène finale. L'ambiguïté permanente nourrit elle-même une grande tension. Entre variation des sentiments et interrogation sur la sexualité, "Nettoyage à sec" pousse le spectateur dans ses retranchements et l'engage à s'affranchir de ses propres limites.

Quel meilleur écrin pour lui que la rutilante Vegas ? Issu d’une famille pauvre, Wladziu Valentino Liberace, vite réduit par la moulinette du showbiz à son seul nom de famille, affectionnait la scène du Hilton, assez vaste pour y accueillir les Rolls-Royce qui le menaient directement face au public. En manteau de zibeline à traîne, Liberace décochait une ou deux blagues devant un parterre conquis, faisait admirer ses bijoux avec une joie enfantine, puis se mettait au piano. Le répertoire – Chopin, Gershwin, du boogie… – ne variait guère. Mais les œuvres étaient impeccablement exécutées par le pianiste, prodigue en effets de manche, mais d’une spectaculaire virtuosité.

Roi du kitsch
Redoutant d’être mis au ban de l’Amérique puritaine, ce fervent catholique niera toute sa vie son homosexualité, puis le sida qui l’emportera. S’il n’intervient pas dans le film, Scott Thorson, joué par Matt Damon dans Ma vie avec Liberace, le film de Soderbergh inspiré de sa vie, le hante. Amant à la fois adulé et maltraité – le pianiste le voulait à son image et l’incita à recourir à la chirurgie esthétique –, il finira par plaquer Liberace et lui réclamer une pension. Moquée pour ses numéros musicaux noyés sous une avalanche de paillettes, la star demeure une légende de l’entertainment, dont elle a révolutionné les codes par ses extravagances. Flânant dans ses diverses propriétés, ce documentaire fait défiler ses ex-amants, protégés, exégètes, collaborateurs et imitateurs, qui dressent, avec ironie et tendresse, le portrait de ce roi du kitsch, décédé en 1987.

Entre amour inconditionnel et savoureuse dérision, un pastiche jubilatoire du cinéma d’exploitation des seventies par le maestro Quentin Tarantino. 

Mike, un cascadeur balafré, cueille des jeunes femmes à la sortie des bars pour les tuer d’une étrange manière : avec une Chevrolet indestructible, qui protège du danger uniquement son conducteur. À Austin, après avoir explosé la tête d’une de ses victimes sur le tableau de bord, Mike prend en chasse trois copines, Arlene, Shanna et la DJ "Jungle" Julia, star d’une radio locale, avant de provoquer une collision mortelle avec leur véhicule. Quatorze mois plus tard, le psychopathe, désormais dans le Tennessee et au volant d’une Dodge, se lance à la poursuite de Lee, Abernathy, Kim et Zoë, qui toutes travaillent dans le cinéma, dont l’une comme cascadeuse. Mais les filles résistent au choc et traquent à leur tour leur agresseur… 

Girl power 
Pour son sixième long métrage, passablement boudé par les spectateurs, entre les succès de Kill Bill et d’Inglourious Basterds, Quentin Tarantino pousse à son paroxysme l’hommage au cinéma bis qui traverse sa flamboyante filmographie. Pellicule granuleuse et jaunie, zooms et coupes abruptes, bande-son entaillée… : s’il parsème son récit de marqueurs de modernité (dont un téléphone portable et sa sonnerie empruntée à la BO de… Kill Bill), le réalisateur fait revivre avec un soin maniaque l’esprit libertaire et l’esthétique sauvage des productions seventies qu’il affectionne tant, du slasher (qui met en scène des tueurs en série à l’arme ou au faciès atypiques) au film de course-poursuite (à commencer par Point limite zéro de Richard C. Sarafian, référence du genre plusieurs fois citée). Mais si ce pastiche fétichiste subjugue autant, c’est aussi parce que le cinéaste y appose sa touche personnelle, laissant libre cours à son humour décalé, à son formalisme renversant et à son goût immodéré pour la musique et les dialogues. Face au redoutable meurtrier (le génial Kurt Russell), Tarantino fait défiler une bande de supernanas libérées – dans les actes comme dans leur torrent de paroles – qui s’offriront une vengeance délectable en forme d’apothéose sanglante.

Elles séduisent de plus en plus de citadins en manque de vert : dans les cités européennes, les petites parcelles de terre mises à la disposition des habitants leur permettent de cultiver fleurs, arbres et légumes. En Allemagne, on en compte un peu plus d’un million, mais les règles y prolifèrent plus que les mauvaises herbes. Chaque paramètre est normalisé : la hauteur de la haie, la taille de la tonnelle, les graines qui peuvent être plantées et celles qui sont proscrites… Pourquoi ce besoin de nature s’accompagne-t-il, outre-Rhin, d’autant de garde-fous ? Faut-il en chercher la trace dans l’histoire, quand sont apparus ce qu’on appelait alors les "jardins ouvriers" ? 

Vingt ans après "Paris, Texas", Wim Wenders retrouve les grands espaces américains et Sam Shepard - ce dernier a cette fois accepté d'incarner lui-même le héros de son propre scénario. Avec également Tim Roth, Jessica Lange, et une bande-son, électrique et mélancolique, signée T-Bone Burnett.

Howard Spence, star déchue du western hollywoodien, ne décroche plus que des rôles secondaires. Il mène une existence solitaire et noie sa déprime dans l'alcool, la drogue et les histoires sans lendemain. Un jour, il quitte un film en plein tournage pour aller rendre visite à sa mère qu'il n'a pas revue depuis trente ans. Celle-ci lui apprend qu'il aurait un enfant quelque part. Cette hypothèse rallume une lueur d'espoir chez Howard : sa vie n'a peut-être pas été aussi vide qu'il le pense. Revenant sur les traces du passé, il retrouve Doreen, qu'il a aimée autrefois et qui a un fils. Sauf que ce dernier n'a nulle envie d'avoir un père.

Western moderne
Vingt ans après Paris, Texas, Don't Come Knocking marque les belles retrouvailles entre Wim Wenders et Sam Shepard – ce dernier ayant cette fois accepté d'incarner lui-même le héros de son propre scénario. Les deux films présentent un certain nombre de traits communs : les paysages grandioses de l'Ouest américain, les bars enfumés, des protagonistes à la recherche de leurs racines, le son des guitares… Mais la comparaison s'arrête là. Avec ses personnages excentriques, Don't Come Knocking est bien plus drôle : il y a bien sûr le cow-boy déchu (formidable Sam Shepard) et sa mère, mais aussi une fille mystérieuse qui remet sans cesse sa mèche de cheveux derrière l'oreille ; un homme qui marche au bord de la route un sac de golf à l'épaule ; un autre avec son rasoir électrique en plein désert… Autant de personnages servis par des dialogues qui sonnent "comme le jazz, rythmés et très musicaux", selon les termes de Jessica Lange, merveilleuse Doreen dans le film et compagne à l'époque de Sam Shepard à la ville. Esthétiquement superbe et baignant dans une lumière extraordinaire, cet opus prouve une fois encore le talent de Wim Wenders. Quant à T-Bone Burnett, qui avait déjà illuminé de ses trouvailles musicales le O'Brother des frères Coen, il donne à Don't Come Knocking sa touche finale avec une excellente bande-son, électrique et mélancolique.

Retour sur une tragédie fondatrice de l’histoire spatiale.

Le 12 avril 1961, l’URSS crée la stupeur en mettant en orbite le cosmonaute Youri Gagarine, premier homme au monde à effectuer un vol dans l’espace. En pleine guerre froide, la riposte américaine ne se fait pas attendre : le président Kennedy fixe un objectif clair – envoyer un homme sur la Lune avant la fin de la décennie. Le programme spatial s’organise en trois phases : Mercury pour les premiers vols habités, Gemini pour tester les manœuvres en orbite, puis Apollo pour viser la Lune. Mais cette dernière étape s’ouvre par un drame. Le 27 janvier 1967, lors d’un test au sol censé préparer la première mission habitée du programme Apollo, la capsule s’embrase sur la base de cap Kennedy. En quelques secondes, les astronautes Gus Grissom, Ed White et Roger Chaffee périssent dans l’incendie. Matériaux inflammables, trappe impossible à ouvrir : l’enquête révèle plusieurs défaillances, liées à la complexité du projet et à un calendrier serré imposé par la course contre l’URSS. Retour sur une tragédie fondatrice de la conquête spatiale, dont l’héritage a depuis lors pesé sur chaque mission.

Le prix du rêve
Nourri d’images d’archives, de témoignages, de documents familiaux et d’éléments biographiques, ce documentaire brosse un portrait intime de trois pionniers unis par une passion commune et déterminés à réaliser leur rêve en dépit du danger. Conçu par le réalisateur Mark Craig, déjà à l’origine du documentaire Le dernier homme sur la Lune en 2014, le documentaire s’appuie sur les récits d’anciens ingénieurs et techniciens de la NASA à propos des causes techniques de la catastrophe, dont les enseignements se sont révélés décisifs pour la refonte des procédures de sécurité et, in fine, le succès d’Apollo 11. Il interroge aussi la place de ce type de drames dans la mémoire collective, des pertes des navettes Challenger (1986) à Columbia (2003), et esquisse les contours d’un récit spatial bâti autant sur ses réussites que sur ses échecs. Un hommage sensible à ceux qui ont payé le prix de la course à l’espace.

Adaptée de la bande dessinée de Posy Simmonds, une variation amusée sur le chef-d’oeuvre de Flaubert avec un Fabrice Luchini sur mesure.

Après un passage éthéré dans une maison d’édition parisienne, Martin Joubert, la cinquantaine, a repris la boulangerie de son père dans un village normand. Entre deux fournées, ce féru de littérature, lassé par une épouse terre-à-terre et un fils adolescent plongé dans ses jeux vidéo, s’évade en rêvant à des destins romanesques. Quand un couple de Britanniques fuyant Londres, Charles et Gemma Bovery, s’installent dans la maison en face de chez lui, l’imagination de ce lecteur de Flaubert ne tarde pas à s’embraser, d’autant que la belle et sensuelle Anglaise le subjugue.

Dérive littéraire
Adaptant le roman graphique éponyme à succès de Posy Simmonds, Anne Fontaine transplante avec une liberté amusée le chef-d’œuvre de Flaubert dans une Normandie contemporaine, encore imprégnée d’atmosphère XIXe siècle. Égaré entre les fantasmes que lui inspire la délicieuse Anglaise et ses passions littéraires dévorantes, Martin Joubert – un rôle taillé sur mesure pour Fabrice Luchini, qui s’en délecte – choisit un chemin semé d'embûches : au travers de Madame Bovary, l’un de ses romans fétiches, il imagine pouvoir entraîner sa nouvelle voisine dans les délices de l'adultère tout en la protégeant du sort tragique de l'héroïne flaubertienne dont, à une consonne et une voyelle près, elle porte le nom. L’imagination en flammes et les sens en émoi, le boulanger malheureux rêve ainsi que la littérature transcende la morosité de son quotidien, et redoute en même temps qu’elle ne dicte sa loi pour le pire. Mais de la même manière que Flaubert avouait "Emma Bovary, c’est moi", il dérive corps et âme au fil d’une vie par procuration… dont il a secrètement l’orgueil d’être l’auteur et le metteur en scène.